7 règles de composition cinématographiques

Raconter une histoire à travers des choix cinématographiques peut sembler intimidant si vous débutez. Heureusement, si vous connaissez les bases de la composition et du cadrage, réaliser une vidéo percutante et pertinente devient beaucoup plus simple.

Ces sept règles vous aideront à améliorer vos compétences mais elles ne sont pas gravées dans le marbre. En effet, elles sont même censées être enfreintes et, en réalité, de nombreux réalisateurs passent justement outre ces conventions dans leur propre travail afin de trouver leur propre style. Mais cela viendra avec le temps, alors pas de panique. L'important est que vous fassiez des choix cinématographiques judicieux en fonction de ce qui se passe dans votre histoire et de ce que vos personnages vivent émotionnellement.

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C'est la règle originelle de toute composition. La règle des tiers divise votre cadre en tiers. Vous créez ainsi une grille et des points d'intersection qui permettent de mettre l'accent sur certains éléments. Lorsque vous filmez un acteur, le positionner sur l'une de ces lignes ou intersections porte davantage l'attention sur son action tout en créant une bonne harmonie avec la quantité d'arrière plan présente dans le cadre. Suivez cette règle lorsque vous débutez. Cassez-la lorsque vous souhaitez évoluer.

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Les lignes directrices correspondent le plus souvent à des lignes naturelles de votre environnement, telles que des clôtures, des bâtiments et des routes. Ouvrez l'oeil ! En traçant des lignes derrière ou devant le sujet, vous attirez l'oeil vers celui-ci. De même, des lignes chaotiques peuvent dérouter le spectateur et ajouter du malaise à une scène. Parfois, une grande partie du cadre est ignorée par l'œil en raison des lignes directrices qui guide l'attention à un endroit précis. Pour cela, certains angles et certaines directions de lignes directrices sont plus efficaces que d'autres.

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Si vous avez beaucoup d'éléments d'un côté du cadre et pas beaucoup de l'autre, cela peut sembler déséquilibré. Essayez de remplir votre cadre et d'équilibrer la scène. Ajoutez une lampe, un arbre ou quelque chose qui permet au spectateur de se sentir plus "satisfait" en regardant votre image. Si vous vous sentez bloqué, sans possibilité de remplir votre cadre, alors essayez peut-être un angle de caméra plus serré, plus rapproché. Remplir le cadre ne doit pas forcément être systématique, mais il est important d'y faire attention et de faire des choix en connaissance de cause.

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Directement corrélée au fait de remplir le cadre, la symétrie permet de créer un réel équilibre dans l'image. Les deux côtés du cadre correspondent, se répondent, et forment une belle harmonie. Le réalisateur Wes Anderson en est friand. Ajustez votre angle pour qu'il y ait un équilibre égal des deux côtés du cadre. Encore une fois, cette règle peut être cassée pour boulverser les émotions du spectateur et mettre en lumière certains sujets. Mais la symétrie peut aussi créer une belle identité globale pour un projet de film.

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La profondeur vous permet de mettre en valeur un ou plusieurs sujets. Pour ce faire, vous pouvez ouvrir le diaphragme pour offrir une faible profondeur de champ. L'effet ainsi obtenu est instantanément cinématographique. Une faible profondeur de champ permet également de réduire ou supprimer les distractions présentent en arrière plan et de concentrer l'attention sur les éléments importants. Attention cependant à ne pas en abuser. Une trop faible profondeur de champ peut faire perdre tout repère au spectateur, l'arrière plan et donc le contexte risquent d'être brouillés. Ajustez votre profondeur de champ de façon judicieuse en fonction de votre narration et volonté artistique.

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Utilisez des éléments de votre environnement pour vous aider à cadrer votre sujet. Essayez de cadrer à travers une fenêtre ou une autre ouverture naturelle. Cela met subtilement en valeur le sujet et donne de la profondeur à l'image et à l'histoire que vous racontez. Votre cadrage doit toujours être pensé pour donner des informations visuelles importantes et intéressantes à votre spectateur. Vous devez donc vous préoccuper non seulement de l'esthétique, mais également des messages que vos images véhiculent.

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Les astuces décrites ci-dessus doivent constituer pour vous des outils de réflexion vous permettant de trouver la meilleure stratégie à employer pour mettre en valeur votre sujet. Votre but est de penser vos cadrages de sorte à ce que le public se sente immergé dans la narration. Une bonne narration associée à un bon cadrage est la clé d'un projet vidéo intéressant à visionner pour vos spectateurs.

"Composer mon cadre et trouver le meilleur angle est surement l'une des choses que je préfère en vidéo. Dans un processus d'apprentissage, il est important de tester une grande quantité de possibilités pour un même sujet. Utilisez différentes focales, différents points de vue, rapprochez-vous, éloignez-vous, puis comparer les résultats ainsi obtenus. Chaque option raconte uen autre histoire. C'est tout le côté passionnant de la composition !"

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